装饰艺术，咆哮的二十年代的现代性
07.12.21
谁不曾梦想过在精美绝伦的装饰艺术风格，仿佛置身于《了不起的盖茨比》的场景之中？装饰艺术风格常被视为咆哮的二十年代美学，它不仅是一场形式多样、品质卓越的艺术运动，更是一场丰富多彩的艺术盛宴。它象征着无忧无虑的年轻人在经历毁灭性的战争后，寻求重建自我的渴望。但这种极具时代特色的风格究竟是如何产生的呢？
装饰艺术是如何产生的？
斯科特·菲茨杰拉德在 1931 年的《爵士时代》中写道：“这是战争期间积累起来但未释放的所有神经紧张。”.
然而，这种风格的萌芽早在1910年代。尽管新艺术运动风靡一时，但其植物般的曲线并非总是受到赞赏。批评者认为这种风格粗俗可笑，称之为“面条风格”。他们追求更简洁的线条和更克制的造型。这是一种回归秩序的趋势，在德国和维也纳的设计中已有所体现。它也源于谢尔盖·迪亚吉列夫的俄罗斯芭蕾舞团带来的美学变革。一千零一夜》，于1909年由舞蹈、音乐和绘画组成。东方作为主要灵感来源的复兴在艺术创作和巴黎上流社会中均有所体现。著名画家保罗·波烈一千零二夜”的盛大化装舞会众多艺术家受邀参加。一个新时代正在到来。不幸的是，第一次世界大战于1914年爆发，打断了所有这些新思潮的发展势头。
正是从战场归来之后，装饰艺术风格蓬勃发展。那是咆哮的二十年代，年轻人沉溺于无尽的享乐，试图忘却战壕的恐怖。他们追求幻想和娱乐。这催生了新风格，即现代风格，或者如人们所称的“现代之字形风格”。这种风格在巴黎声名鹊起。1925年，在这座享乐之都国际现代装饰及工业艺术博览会。这场大型贸易博览会汇聚了21个国家，吸引了超过1600万人参观。短短八个月，它就彻底改变了世界的建筑和装饰艺术。这种风格出现在酒店、酒吧、远洋客轮和电影院——这些奢华舒适的场所深受20世纪20年代年轻人的喜爱。通信技术的发展促进了这种美学的迅速传播，而大量涌入巴黎的美国人也助推了这一趋势，他们利用法郎贬值的机会来到这里。从巴西到日本，尤其是在美国，都能找到它的衍生品，而美国也成为了流线型风格。
重建势在必行。以新颖的几何设计为特色的新型立方体建筑拔地而起，面向现代主义。建筑、图案和理念由此传播到装饰艺术领域。其目标是通过新颖的、有时甚至是挑衅性的选择，展现现代性的动感与逃避现实的渴望。人们普遍认同简化线条，但这并未使作品变得贫乏。灵感源自世界各地：日本、中国、远东和非洲。人们探索了各种新奇的异域材料以及科技进步带来的成果。咆哮的二十年代带来了诸多创新，彻底改变了装饰艺术的面貌。
装饰品和饰物
在20世纪20年代和30年代，一种新的理念兴起：装饰艺术家们创作出迎合年轻人品味的独特家具。其中不乏鲁尔曼（Ruhlmann） 、 Jules Leleu） 、保罗·伊里贝（Paul Iribe）、莫里斯·杜弗雷纳（Maurice Dufrêne）和查尔斯·杜杜伊特，他们的作品均有收藏。不受束缚的他们得以自由探索定义“咆哮的二十年代”的新形式，同时又忠于过去的风格。他们的目标是使传统现代化。装饰艺术代表着一种回归秩序的趋势，而1929年的经济危机和20世纪30年代的全球经济大萧条则进一步强化了这一趋势。
这些话题包罗万象，我们只能浅尝辄止地介绍其中重要的一部分。
新艺术运动蜿蜒线条的摒弃。取而代之的是更为柔和、抒情的意象。这种简化手法最初源于严谨的新古典主义，之后转向了前卫艺术：立体主义、奥菲主义和德国表现主义——尽管这些流派之间的界限并非总是泾渭分明——它们都提供了一种全新的绘画语言。这是一种向几何学的现代的精髓。形式纯粹：圆形、方形和直线；倒角边缘和碎片化的图案。自然本身失去了野性，综合的形态被简化到其本质。玫瑰变成了一种扁平的、极具几何感的图案。装饰艺术试图通过将其改造以符合时代的审美来驯服自然。这证明了现代人的统治地位，他们通过知识和技术的进步征服了自然。
恩里克·莫林斯创作的青铜雕塑《波浪上的两只海鸥》我们也力求展现现代社会速度与活力。汽车出现在巴黎街头，远洋客轮使得跨洋航行速度日益加快，航空梦想也开始萌芽。这些理念被运用到装饰设计中。猎豹优雅地象征着那个时代的流畅与活力。在这里，您可以欣赏到恩里克·莫林斯（Enrique Molins）的《海浪上的两只海鸥》，它清晰地展现了我们运用动物形象来象征速度与科技的意图。海鸥俯冲向大海的姿态，令人联想起曾经令观众为之倾倒的特技飞行表演。
女性的角色也日益重要。这便是以“摩登女郎”（flapper）纤细苗条的身形灵感源自嘉柏丽尔·香奈儿和保罗·波烈。在艺术作品中，女性的形象也体现在她们现代、优雅的长裙装束中。在塔玛拉·德·兰皮卡撒玛利亚妇人的形象尤为突出，许多餐厅都以她的名字命名。
最后，美索不达米亚、中美洲，尤其是埃及的大量考古发现，激发了人们对古代文明的浓厚兴趣。 霍华德·卡特图坦卡蒙陵墓，装饰艺术设计埃及风格的。然而，当时主要使用的还是莲花、圣甲虫和象形文字等通用主题。
现代世界的材料
巴黎殖民地博览会将非洲艺术重新介绍给了法国公众。抽象的图案和深沉的色调，尤其是黑色和棕色，令人印象深刻。但最重要的是，它展现了人们对材料的独特品味，特别是珍贵木材如黑檀木和红木。这些木材因其固有的美学价值而备受推崇；材料本身就成为了一种装饰。这使得大量使用象牙、珍珠母、镜子和鲨革（鱼皮）等饰面和镶嵌工艺成为可能。这些都是奢侈品，有时价格极其昂贵。这是一场极尽奢华、毫不妥协的展示。
照明的重要性日益凸显，它不仅提升了空间美感，也象征着进步。从豪华的沙龙和餐厅到舒适的卧室，电力无处不在，各种台灯的设计也随之兴起，铬合金与木质的巧妙融合相得益彰。科技进步体现在新技术的运用上。20世纪20年代，这反映了当时现代、乐观和前瞻的审美趣味。在枝形吊灯中，玻璃捕捉到了凝固喷泉的动感，呼应了现代世界的活力。
大约在20世纪30年代，美国开始主导装饰艺术风格，这种风格也朝着更加简洁的方向发展，摒弃了繁复的装饰。这使得它能够适应当时大规模生产模式。为了满足大萧条时期人们的需求，装饰艺术变得价格亲民。这促成了大规模的流通，让这种美学走进千家万户，即使是普通家庭也能欣赏到它的美。为了满足消费者的需求，一些此前鲜为人知的材料，例如塑料和铝，也被运用其中。装饰艺术体现了现代美国对消费主义和个人主义的推崇。这种美学风格在纽约世界博览会。
结论
二战后，装饰艺术风格走向衰落。它受到了与之并行的现代主义。尽管两者都起源于1925年的展览，但其发展历程却截然不同。在勒·柯布西耶，现代主义设计师们认为，炫耀奢华的风格已不再符合当时的审美趣味。战后时期是一个崇尚节俭、理性主义和功能主义的时代。装饰被认为是不必要的，甚至“应该受到质疑”，现代主义评论家赫伯特·里德如是说。这位艺术史学家甚至认为，装饰艺术应该从艺术史中抹去。
20世纪60年代的古董商们并不认同这种观点。由于被文化机构所排斥，是艺术品经销商们拯救了那些被认为过时且缺乏历史价值的装饰艺术风格家具。他们的努力最终获得了回报，首个名为“ 1925风格装饰艺术中心艺术风格开始获得广泛认可。“装饰艺术”一词《了不起的盖茨比》的上映而获得了更广泛的关注。
装饰艺术的未来一片光明，无论是在生产复制品的装饰品商店，还是在那些保留了咆哮的二十年代。
参考书目
——《装饰艺术的故事》，何塞·阿尔瓦雷斯，2010年
- 装饰艺术风格，吉斯莱恩·伍德，2003年
- 装饰艺术，1910-1939，蒂姆·本顿，2003年
